Saturday, February 10, 2018

BABATOMI AND THE KISS


Biri Allah biri insan yapısı. Ne güzel kaynaşmış ikisi. El yapısı mı ? Makine yapısı mı ? El yapısından bıkanlar var.
Bedri Rahmi Eyüboğlu

  Nişantaşı’nın minimal ve sade galerisi olan Dirimart, Ocak ayında Türk ressam ve şair Bedri Rahmi Eyüboğlu’nun kişisel sergisine ev sahipliği yaptı. Kadın ve erkeğin cinsel dürtülerinden yola çıkarak oluşturulmuş yaklaşık otuza yakın eser sergilendi. Eyüboğlu’nun bir çok eseri gibi sergideki çalışmalar da birden fazla dönem ve kültürden etkilenmiş aynı zamanda da Anadolu’dan çeşitli üslup ve motifleri içinde barındırmıştır.

  Bedri Rahmi Eyüboğlu (1913 Görele -1975 İstanbul) ailesinin beş çocuğundan ikincisiydi.. Trabzon Lisesi'ndeki öğrenci olduğu yıllarda resime ilgi duymaya başlamış ve okul müdürü tarafından motive edilerek bu derslerin etkisi altında İstanbul Güzel Sanatlar Akademisinde Resim Bölümünde öğrenim görmeye başlamıştır.
1930'da eğitimini tamamlamadan önce Sabahattin Eyüboğlu ile birlikte Paris'e gitmiş, orada, Andre Lhote'un yanında eğitim görmüş ve eşi Eren ile de o dönemde tanışmıştır.

  İlk kişisel sergisini Bükreş’te gerçekleştirmiş,  akademide 1934 yılında üçüncülük aldığı yarışmada, 1936 yılında "Hamam" adlı kompozisyon ile birincilik kazanmıştır. B. Rahmi 1940’lı yıllarda bir dönem boyunca çoğu eserinde köy, köy kahveleri, arabalı yollar ve gelinler gibi Anadolu sahnelerini kullanmıştır. 1950’de Ankara ‘da bir kişisel sergi daha açmış ve aynı yıl Paris’e tekrar gidip İnsanlık Müzesi'nde (Musée de l'homme) ilkel kabileler üzerine sanat eğitimi almıştır. O  dönemde Bedri Rahmi güzel olan bir şeyin aynı zamanda faydalı olabileceğini ve faydalı olan bir şeyin de güzel olanın etkisini azaltmayacağı görüşüne yönelmiş, daha sonraları bu düşünce tarzı, dönemin sanatsal düşüncesine tamamen egemen olmuştur.

  B.Rahmi akademideki ilk yıllarından sonra Andre Lhote'un Paris'teki stüdyosunda sanat eğitimi vermiş ve o dönemlerde resimlerinde kısa bir süre için kübist bir yaklaşım benimsemiştir. 1961 yılında ise Amerika’da University of California at Berkeley’de iki yıl boyunca geçici olarak profesörlük yapmıştır.

  Şair, yazar ve akademisyen kimliğinin dışında ölümüne kadar da  resim öğretmeni olarak çalışmış ve birçok sanatçıya da önderlik etmiştir.

"Niçin söylemeyelim ? Bedri eşyayı kendi dışındaki aydınlıkta seyretmeye katlananlardan değildir. Beyninin içinde bir güneş parçalanmış gibi, o her şeyi kendi aydınlığından görür. Bu itibarla çocuğa benzer. Ve çocuğa benzediği için de dokunduğu şeylere bir sır ve masal çeşnisi verir. " Ahmet Hamdi Tanpınar

****

L'un est fait par Dieu, l'autre est par l'homme. Comme ils s'entrelacent magnifiquement. Fait main ? Fait à la machine ? Certains en ont marre de la main.
Bedri Rahmi Eyüboğlu

  Dirimart, la galerie minimaliste et simple de Nişantaşı, a accueilli en janvier une exposition personnelle du peintre et poète turc Bedri Rahmi Eyuboglu. Une trentaine d'œuvres créées à partir de la pulsion sexuelle des femmes et des hommes ont été exposées. Comme de nombreuses œuvres d'Eyüboğlu, les œuvres du spectacle ont été influencées par plus d'une période et de la culture, et en même temps, ils ont accueilli différents styles et motifs d'Anatolie.

  Bedri Rahmi Eyuboglu (1913 - 1975 Istanbul) était le deuxième des cinq enfants de sa famille. Après des années d'études à la lysée Trabzon , elle commence à s'intéresser à la peinture et commence à étudier au département de peinture de l'Académie des Beaux-Arts d'Istanbul sous l'influence de ces leçons motivées par le directeur de l'école. Avant d'achever ses études en 1930, il s'est rendu à Paris avec Sabahattin Eyuboglu, où il a étudié avec Andre Lhote et a rencontré sa femme Eren à cette époque.

  B. Rahmi Eyuboglu réalise sa première exposition personnelle à Bucarest et remporte en 1934 le premier prix avec sa composition «Hamam» en 1936. B. Rahmi utilise des scènes anatoliennes comme village, bergers de village, routes arabes et mariées dans plusieurs de ses œuvres pendant les années 1940. Il ouvrit une autre exposition personnelle à Ankara en 1950 et retourna à Paris la même année et étudia l'art au Musée de l'Homme sur les tribus primitives. À cette époque, Rahmi de Bedri pensait que quelque chose de beau pouvait être utile en même temps, et que cela ne diminuerait pas la beauté de quelque chose d'utile. Plus tard, cette façon de penser était totalement dominante dans la pensée artistique.

  Après ses premières années à l'Académie, il étudie l'art à l'atelier d'André Lhote à Paris et, peu de temps après, adopte une approche cubiste dans ses peintures. En 1961, il a été professeur temporaire pendant deux ans à l'Université de Californie à Berkeley aux États-Unis.
Bedri Rahmi a travaillé comme professeur de peinture jusqu'à sa mort, et a dirigé de nombreux artistes, en plus des poètes, des écrivains et des académiciens.


"Pourquoi ne pas le mentionner?" Bedri n'est pas de ceux qui observent les objets à la lumière des autres, il voit tout dans sa propre lumière comme si un soleil avait explosé dans son cerveau. pour donner une touche de mystère et de conte de fées aux choses qu'il manipule. "Ahmet Hamdi Tanpınar.

****

One is made by the God, the other is by man. How beautifully they interwined. Handmade ? Machinemade ? Some are fed up with the hand made.
Bedri Rahmi Eyüboğlu

  Dirimart, the minimal and simple gallery of Nişantaşı, hosted a personal exhibition of Turkish painter and poet Bedri Rahmi Eyuboglu in January. Approximately thirty works created from the sexual urge of women and men were exhibited. Like many works of Eyüboğlu, the works on the show were influenced by more than one period and culture, and at the same time, they accommodated various styles and motifs from Anatolia.

  Bedri Rahmi Eyuboglu (1913 - 1975 Istanbul) was the second of five children in his family. After years of being a student in Trabzon High School, she started to be interested in painting and started to study in the Department of Painting at Istanbul Fine Arts Academy under the influence of these lessons motivated by the school director. Before completing his education in 1930, he went to Paris with Sabahattin Eyuboglu, where he studied with Andre Lhote and met his wife Eren at that time.

  B. Rahmi Eyuboglu performed his first solo exhibition in Bucharest, and in 1934 he won the first prize with his composition "Hamam" in 1936. B. Rahmi used Anatolian scenes like village, village shepherds, arabic roads and brides in many of his works during the 1940s. He opened another personal exhibition in Ankara in 1950 and went to Paris again in the same year and studied art at the Museum of Humanity (Musée de l'Homme) on primitive tribes. At that time Bedri Rahmi thought that something beautiful could be useful at the same time, and that it would not diminish the beauty of something useful. Later on, this way of thinking was totally dominant in artistic thinking.

  After his first years at the Academy, he studied art at Andre Lhote's studio in Paris, and for a short time he adopted a cubist approach in his paintings. In 1961 he was a temporary professor for two years at the University of California at Berkeley in the United States.

Bedri Rahmi worked as a painting teacher until his death, and led many artists, besides the poets, writers and academicians.

"Why shouldn’t we mention ? Bedri is not one of those who observes objects in the light of others. He views everything in his own light as if a sun exploded within his brain. On this account he is child like, he is able to lend a touch of mystery and fairy tale auro to things he handles. " Ahmet Hamdi Tanpınar.

Sunday, December 24, 2017

UNE HARMONIE PARALLELE A LA NATURE – CEZANNE


Je suis le primitif d’un nouvel art. J’aurai, je le sens, des continuateurs…

Paul Cézanne;

Déception, défaite, colère, avidité, faiblesse, haine et amour. Je me retrouve dans chaque œuvre, un peintre comme une tempête avec un caractère digne et un prestige tardif.

Cézanne est né à Aix-en-Provence, fils de Louis-Auguste Cézanne, chapelier et d'Anne Elizabeth Honorine Aubert. Il est né hors mariage et légalement reconnu par son père. Il avait une forte personnalité et malgré son apparence brutale était extrêmement intelligent. Il a vécu comme reclus une forme de compromis.

Il a étudié le droit entre 1859 et 1861, puis il est allé voir son ami d'enfance pour apprendre la peinture, Émile Zola, qui était un auteur très respecté dans le futur. Cézanne a également travaillé à l'Académie suisse et au Louvre. Il réalise une concision esthétique qui se retrouve également dans ses natures mortes et établit un lien entre sa peinture, sa technique et son dessin.
Il fréquente régulièrement les musées, reçoit plusieurs leçons et entre dans les cercles de l'avant-garde parisienne à la fin des années 1860.

L'étrangeté qui caractérise le début apparaît avec virulence dans les premiers portraits, que ce soit dans le traitement de la peinture dans toute son épaisseur ou dans la schématisation très efficace des visages.

"Lire le modèle et le concrétiser, peut parfois être un processus très lent pour l'artiste", a déclaré Cézanne à la fin de sa vie.
Cézanne dépeint ses modèles dans un style humble mais monumental, qu'ils soient paysans ou illustres membres des milieux artistiques parisiens.

Les portraits de Cézanne retracent clairement le développement riche et complexe d'un artiste qui fait preuve d'une originalité et d'une indépendance sans précédent dans ses œuvres dès le début, sa relation complexe avec sa femme et son partenaire qui lui ont posé de nombreuses années des paysans âgés de son attachement à un terroir et donc à l'aspect matériel de son wotk à son niveau le plus élémentaire, malgré ses hautes préoccupations intellectuelles.

Ses contemporains n'ont jamais vraiment compris la grandeur de sa vision: l'équilibre élaboré qui régit les compositions de Cézanne prend en compte chaque élément, ne laissant aucune périphérie ou zone secondaire sans surveillance.

"Peut-être que je ne suis que l'artiste primitif d'un nouvel art" a-t-il commenté. Il était aussi un artiste classique parfaitement mature.


***

I am the primitive of a new art. I will have, I feel it, continuations ...   

Paul Cezanne;

Disappointment, defeat, anger, greed, weakness, hate and love. I find myself in each work, a painter like a storm with a dignified character and late coming prestige.

Cezanne is born in Aix-en-Provence, the son of Louis-Auguste Cezanne, a hatter and Anne Elizabeth Honorine Aubert. He is born out of wedlock and legally recognised by his father. He had a strong personality and despite his brutish appearance was extremely intelligent. He lived as a recluse an form of compromise.

He  studied law between 1859 and 1861 and then he went to his childhood friend to learn painting , Émile Zola, who was being a highly respected author in the future. Cezanne also worked at the Swiss Academy and the Louvre. He achieves an aesthetic concision which is also found in his still lifes and establishes a connection between his painting, technique and drawing.
He frequented the museums regularly, received several lessons and entered the circles of the Paris avant-garde in the late 1860s.

The strangeness that characterizes is begining appears virulently in the first portraits, whether in the treatment of painting in its entire thickness or in the highly effective schemtization of faces.
"Reading of the model and bringing it to fruition, can sometimes be a very slow process for the artist" said Cezanne at the end of his life.

Cezanne depicts his models in a humble yet monumental style, irrespective of whether they are peasants or illustrious members of Parisian artistic circles.

Cezanne portraits clearly trace the rich and complex development of an artist who demonstrates unprecedented originality and independence in his works from the very outset, his complex relationship with his wife and partner who posed for him over a period many years and the projection in his depiction of elderly peasants of his attachment to a terroir and thus to the material aspect of his wotk at its most elementary level, despite his lofty intellectual concerns.

His contemporaries never really understood he greatness of his vision: the elaborate balance ruling Cezanne’s compositions takes each element into account leaving no peripherl or secondary areas unattended.

“Maybe I am just the primitive artist of a new art” he commented. He was also a perfectly mature classical artist.

***

Ben modern sanatın ilkeliyim, devam edeceğim, hissedeceğim…

Paul Cezanne ;

Hayal kırıklığı, yenilgi, öfke, hırs, zayıflık, nefret ve aşk. Her bir eserinde kendimi bulduğum, geç gelen saygınlığı ve korkunç karakteri ile fırtına gibi esen ressam.

Şapka imalatçısı Louis-Auguste Cezanne ve Elisabeth Honorine Aubert’in evlilik dışı çocuğu olan Cezanne , Aix-en-Provence ‘de doğdu. Güçlü kişiliği ve kaba görüntüsüne rağmen son derece zekiydi. Bunu bir uzlaşı yöntemi olarak benimsediği için toplumdan da uzak yaşardı.

1859-1861 yılları arasında hukuk dersleri almış ardından da resim sanatını öğrenmek için çocukluk arkadaşı, ileri zamanlarda çok saygın bir yazar olacak olan arkadaşı Émile Zola'nın yanına gitmiştir. Cezanne İsviçre Akademisi'nde ve Louvre'da çalışmış,  1860’ların sonlarında ise Paris avangardına katılmıştır.

Cezanne’ın hayatında hep var olan estetik anlayışı aynı zamanda onun resim tekniği ve çizimleri arasında bir bağlantı kurmuştur. İlk portrelerindeki karakterler kullandığı boyanın kalınlığı ile ve ya çizdiği yüzlerin şematik bir biçim almasıyla şiddetli bir biçimde tuhaf görünür,

Cezanne, modellerini Parisli sanat çevrelerinden, köylüler ya da ünlü üyelerinden olmasına bakmadan mütevazi fakat görkemli bir tarzda tasvir eder. Ona göre  "Modelin okunması ve hayata geçirilmesi bazen sanatçı için çok yavaş bir süreç olabilir" . Cezanne’ın zengin ve karmaşık olan gelişimi eserlerine  de eşi benzeri görülmemiş özgünlük ve bağımsızlık katmaktadır. Uzun yıllar boyunca kendisine poz veren karısı ve partneri ile karmaşık ilişkisi, ve yaşlı köylülerin tasvirindeki entelektüel endişeleri, ardından bunu bir teoriye bağlaması, eserlerinin en temel seviyesinde hayatının projeksiyonu gibi olmasını sağlar.

Çağdaşları onun vizyonunun büyüklüğünü hiçbir zaman anlamazlar. Cezanne her şeyden farklı olarak ayrıntılı denge kuralı ile kompozisyonlarına her bir malzemenin içsel ve dışsal alanlarını ve etkilerini göz ardı etmeksizin yer veren bir sanatçıdır.

O kendini modern sanatın ilkel sanatçısı olarak yorumlar, ancak Cezanne aynı zamanda mükemmel bir klasik dönem ressamıdır.

***








Saturday, June 10, 2017

EROTIC NATURE - PERA MUSEUM

L'amour, la passion, le pouvoir, la profondeur, l'amertume, la dureté, le porte-greffe, la naïveté, la rébellion, la simplicité, la confusion, l'équilibre, la clarté, la douceur, la respiration ... Qu'est-ce que la nature signifie pour vous?

Le torse de la Caroline
Dans cet article, je parlerai de Jose Sancho, l'un des plus importants sculpteurs du Costa Rica, qui révèle tous les contrastes dans la nature, les objets rebelles, durs et sombres, la complexité de ce complexe et révèle toute l'esthétique et le charme de la nature avec toute son élégance;
 Sancho est né au Costa Rica en 1935 et est diplômé de l'École des sciences économiques et travaillé depuis plusieurs années pour des entreprises de premier plan aux États-Unis, en Amérique centrale et en économie et en administration publique. Mais il s'est tourné vers la sculpture avec la passion.
Bien que inspiré par Picasso et Brancusi, il fonctionne différemment en béton et convertit souvent du granit de bois, du marbre, du bronze, des plaques de fer et se retrouve dans des figures féminines et animales. La nature magnifique du pays d'origine de Sancho et son importance pour la nature, et même le fait qu'elle en fait une philosophie et une culture, contribue à ces élégantes
sculptures.
Il y a une maison en bois au sud-ouest de la ville et un atelier avec des sculptures dans les verts. Les sanctuaires hispaniques et précolombiens dans le sol dont il est né ont été touchés. L'utilisation fréquente de figurines en serpentin dans leurs statues est également un effet cul-de-sac précolombien.
D'autres informations intéressantes sont que l'artiste a comparé les formes des plantes et des fleurs au grand vagin dans lequel est entré le pollen, ce qui pourrait également être interprété comme une sorte de fécondation. Vous pouvez voir la même analogie dans les dessins de feuilles de Joan Miro .
Les sculptures du corps de Sancho ont une grande luxure. Dans leurs œuvres, des contrastes complémentaires sont observés. Bien qu'elle soit associée à la féminité dans la culture d'Amérique centrale, elle utilise la même figurine de serpent que la féminité et la masculinité.
Jose Sancho est un grand sculpteur du 21ème siècle qui a une influence locale et universelle et qui tire sa source de la nature. L'exposition peut également être visitée au musée Pera jusqu'au 6 Août.


***

Love, passion, power, depth, bitterness, hardness, rootstock, naiveness, rebellion, simplicity, confusion, balance, clarity, softness, breath ... What does nature mean to you?

Big Bocaraca
In this article I will talk about Jose Sancho, one of the most important sculptors of Costa Rica, who reveals all the contrasts in nature, rebellious, hard and grim objects, the complexity of this complex, and reveals all the aesthetics and charm of nature with all its elegance;
 Sancho was born in Costa Rica in 1935 and graduated from the School of Economics Sciences and for many years worked for leading companies in the US, Central America, and European economics and public administration. But then he turned to sculpture with the passion.
Although inspired by Picasso and Brancusi, it works differently in concrete and often converts wood granite, marble, bronze, iron plates and finds into female and animal figures. The magnificent nature of Sancho's home country and its importance to nature, and even the fact that it makes it a philosophy and culture, contributes to these elegant sculptures.
There is a wooden house in the south-west of the city and a workshop with sculptures in the greens. Hispanic and pre-Columbian sanctuaries in the soil from which he was born were affected. Frequent use of serpentine figurines in their statues is also a pre-Columbian cul-de-sac effect.
Other interesting information is that the artist likened the shapes of plants and flowers to the large vagina into which pollen entered, which could also be interpreted as a kind of fertilization. You can see the same analogy in Joan Miro's leaf designs ...
Sancho's body sculptures have a great lust. In their works, complementary contrasts are seen. Although it is associated with femininity in the culture of Central America, it uses the same snake figurine as femininity and masculinity.
Jose Sancho is a great sculptor of the 21st century who has both local and universal influence and who takes its source from nature. The exhibition can also be visited at Pera Museum until 6th August.

***

        Aşk, tutku, güç, derinlik, hırçınlık, sertlik, anaçlık, naiflik, asilik,  sadelik, karmaşa, denge, netlik, softluk, nefes… Doğa size hangisini çağrıştırır?

Mantalar
        Bu yazımda doğada ki tüm zıtlıkları, asi, sert ve hırçın nesneleri, bu karmaşayı muazzam eserlere dönüştüren ve doğanın tüm estetiğini ve cazibesini, tüm zarifliği ile ortaya çıkaran Kosta Rika'nın en önemli heykeltıraşlarından, Jose Sancho'dan bahsedeceğim.
Sancho 1935’te Kosta Rika’da doğmuş, İktisadi Bilimler Okulu, iktisat bölümünden mezun olmuş ve sonra uzun yıllar ABD, Orta Amerika ve Avrupa ekonomi ve kamu yönetimi alanında öncü şirketlerde çalışmıştır. Fakat sonra tutkusu olan işe heykeltıraşlığa yönelmiştir. 
Picasso ve Brancusi’den ilham alsa da farklı olarak somut çalışır ve çoğunlukla ahşap granit, mermer, bronz, demir levhalar ve buluntu nesneleri kadın ve hayvan figürlerine dönüştürür. Sancho’nun yaşadığı ülkenin muhteşem doğası ve yerlilerinin doğaya verdiği önem, hatta bunu bir felsefe ve kültür haline getirmelerinin de bu birbirinden zarif heykellere katkısı büyüktür.
Şehrin güneybatısında ahşap bir evi ve yeşillerin içinde heykelleri ile donanmış bir atölyesi vardır. Doğduğu topraklardaki Hispanik ve Kolomb öncesi sanattan etkilenmiştir. Heykellerinde yılan figürünü sık sık kullanması da Kolomb öncesi kültürün etkisidir.
Diğer ilginç bilgi de sanatçının bitki ve çiçeklerin biçimlerini, polenlerin içine girdiği büyük vajinalara benzetmesi bunun da bir tür dölleme olarak yorumlanabileceğidir. Aynı benzetmeyi Joan Miro’nun yaprak desenlerinde de görebilirsiniz…
Sancho’nun beden heykelleri ise büyük bir şehvet barındırır. Eserlerinde birbirini tamamlayan zıtlıklar görülür. Orta Amerika kültüründe her ne kadar dişilikle ilişkilendirilse de o yılan figürünü aynı anda hem dişilik hem de erkeklik organı olarak kullanır.
Jose Sancho hem yerel hem de evrensel etkiye sahip, kaynağını doğadan alan 21.yüzyılın büyük heykeltıraşlarındandır.  Sergisi de 6 Ağustos’a kadar Pera Müzesi’nde ziyaret edilebilir.

Tuesday, March 28, 2017

Between Two Worlds- Metamorphosis / S.S.M


L'Academie Julian
L'Est et l'Ouest n'ont jamais été aussi entrelacés. Le musée de Sakıp Sabancı était un de mes préférés ce mois-ci avec les travaux uniques de Feyhaman Duran et de son épouse Guzin Duran, qui ont été préparés avec l'association d'affaires d'université d'Istanbul dans la 15ème année. Chaque visuel était assez simple et clair.

Tout d'abord je veux parler un peu de Feyhaman Duran. Le nom qui vient à l'esprit d'abord est qu'il est le précurseur de l'art du portrait. En même temps, c'est un nom qui a marqué la génération de 1914 des périodes les plus importantes de la soumission turque contemporaine
.
Feyhaman Duran, a dépeint de nombreux noms portant le rôle de la République des présidents Mustafa Kemal Atatürk et İsmet İnönü au ministre de l'éducation réformiste Hasan Âli Yücel. L'artiste, qui était un virtuose dans presque tous les domaines de l'art, s'est trouvé dans une transformation nette avec La transition vers la République pendant l'effondrement de l'Empire ottoman dans la période entre le retour et le retour au Paris central du monde de l'art. C'est précisément dans ses œuvres que ces traces de transformation se sont reflétées.Feyhaman Duran et son épouse Guzin Duran sont également un signe que l'admiration occidentale n'est pas seulement liée à la forme.

Lorsque vous visitez l'exposition, vous grandiront entre les deux mondes et aussi avec la synthèse de deux mondes. Surtout après 1930, de la tradition ottomane et du modernisme occidental, les alambics de nature morte utilisés dans les objets seront fascinés par les traces de Monet.

La partie la plus visible de l'exposition est;

Avangart Art Institutions; Hall indépendant (1884) et Hall d'automne (1903);

Ces deux fusils concurrents étaient entre 1910 et 1913, avec les partisans de Picasso et de Braque; Puteaux, Section D'Or (Or Ratio) et Orphist groups, et a assisté au développement du cubisme. Dans le même temps, les scandales ne manquaient pas dans les salles ces années. Un coin de l'exposition est écrit en 1912 au Salon d'automne où sont exposées les œuvres de la Maison Cubiste, tant les dessins cubistes que les œuvres de peintres cubistes français et étrangers. Menace pour le patrimoine national français.

Une exposition que je peux vous recommander de ne pas manquer est à SSM jusqu'au 30 juillet.

***

Portrait of  Hasan Ali Yücel
The East and the West have never been this intertwined. The Sakip Sabanci Museum was one of my favorites this month, with its unique works by Feyhaman Duran and his wife Guzin Duran. They were prepared with the Istanbul University Business Association that is in its fifteenth year now. Each visual was created to view fairly simply and clear. 

First of all I would like to give a little bit of background on Feyhaman Duran. His name is synonymous with the notion of a forerunner of portraiture art. At the same time, it is the name that has its stamp on the 1914 generation; from which the most important periods of contemporary Turkish painting sprang out.

Feyhaman Duran portrayed many names in his pieces that bore the role of the Republic, from presidents Mustafa Kemal Ataturk and Ismet inonu to the reformist Education Minister Hasan ali Yucel..

The artist, who was a virtuoso in almost every field of art, found himself in a sharp transformation with the transition of the Republic during the collapse of the Ottoman Empire, and in the period between the leaving and returning to the center of the art world (Paris). He has precisely reflected these traces of transformation in his work. 

The lives and careers of Feyhaman Duran and his wife Guzin Duran are also a testament to the western admiration movement, and they are also closely tied to shaping it.
If you visit this exhibition, it puts you in this situation where your mind goes on a journey and “grows up” between the two cardinal directions that outline different cultures and synthesize in a sense of different worlds. This theme can especially be observed in works post 1930, from the Ottoman tradition and the Western Modernism period; the still-life frames are fascinating and contain traces of Monet.
The most notable pieces in the exhibition are in one scene:

Avangart Art Institutions; Independent Hall (1884) and Fall Hall (1903);
These two competing rifles were between 1910 and 1913, with the followers of Picasso and Braque; Puteaux, Section D'Or (Golden Ratio), and Orphist groups, and they have witnessed the development of cubism. At the same time, scandals were not lacking in the halls these years. One corner of the exhibition is written in 1912 in Salon d'automne in which the works of Maison Cubiste, both cubist designs, as well as works by French and foreign cubist painters, have been exhibited and even some French state officials consider it a threat to French national heritage.

An exhibition that I recommend you not miss, it is at SSM until July 30th



***

Ankara Sergi Evi
Doğu ve batı hiçbir zaman bu kadar iç içe olmamıştı. Sakıp Sabancı Müzesi 15. yılına özel olarak İstanbul Üniversitesi iş birliği ile hazırladığı, Feyhaman Duran ve eşi Güzin Duran’a ait eşsiz güzel çalışmalar ile bu ay benim favorilerim arasında oldu. Her bir görsel oldukça yalın ve netti.

Öncelikle Feyhaman Duran’dan biraz bahsetmek istiyorum. İsmi anılınca ilk akla gelen portre sanatının öncülerinden olduğudur. Aynı zamanda Çağdaş Türk Resminin en önemli dönemlerinden 1914 Kuşağı’na damgasını vuran bir isimdir.

Feyhaman Duran, Mustafa Kemal Atatürk ve İsmet İnönü’den Hasan Âli Yücel’e kadar Cumhuriyet’in şekillenmesinde rol sahibi birçok ismi portrelemiştir. Hemen hemen sanatın her alanında eseri olan sanatçı, Osmanlı İmparatorluğu’nun çöküş zamanlarında sanat dünyasının merkezi Paris’e gidişi ve geri dönüşü arasındaki sürede Cumhuriyet’e geçiş ile kendini keskin bir dönüşümün ortasında bulmuştur. Eserlerinde de tam anlamıyla bu dönüşümün izlerini yansıtmıştır.

Feyhaman Duran ve eşi Güzin Duran batı hayranlığının sadece şekle bağlı kalmadığı durumların da olduğunun bir göstergesidir aynı zamanda. 

Sergide gezerken hem iki dünya arasında kalıp hem de iki ayrı dünyanın sentezi ile büyüleneceksiniz. Özellikle 1930 sonrası, Osmanlı geleneğinden ve Batı Modernizminden objelerin kullanıldığı natürmortları, Monet’nin izlerini göreceksiniz.

Sergide en fazla dikkatimi çeken kısım Avangart Sanat Kurumları'nın yer aldığı bölüm oldu;

Avangart Sanat Kurumları;  Bağımsızlar Salonu (1884) ve Güz Salonu (1903) ;

Bu birbirine rakip iki salonda 1910-1913 arasında Picasso ve Braque takipçilerinin; Puteaux, Section D’Or (Altın Oran) ve Orfist gruplarının eserlerini sergileyerek kübizmin gelişimine tanık olduğu anlatılıyor. Aynı zamanda bu yıllarda salonlarda skandal da eksik olmazmış. Serginin bir köşesinde 1912’de Salon d’automne’da hem kübist tasarımların yer aldığı Maison cubiste, hem de Fransız ve yabancı kübist ressamların eserleri sergilenmiş olduğu ve bazı Fransız devlet görevlilerinin de bu durumu Fransız ulusal mirasına bir tehdit olarak gördüğü bile yazılı.

Kaçırmamanızı tavsiye edebileceğim bir sergi, 30 Temmuz’a kadar SSM’de.


Wednesday, February 22, 2017

Re-staging Goya


Premier étage; Hell
Dans cet article, je vais parler de la premiére exposition solo de Jake & Dinos Chapman en Turquie intitulé "Dans le Royaume des Senseless" qui est organisée par Nick Hackworth.

L'exposition prend la consommation culte de la modernité et de l'art contemporain avec un détail subtil et un système critique de croyance dans le progrès vide. Tout d'abord, permettez-moi de dire que vous rencontrerez souvent des traces de Goya (Francisco de Goya y Lucientes 1746-1819) dans les œuvres d'art. Parce que beaucoup de pièces sont liées aux œuvres et des idées de Goya. Leur catalogue est également signalé que Chapman avait produit plus d'un millier d'œuvres qui l'utilisent avec Goya. Je vous suggère d’examiner Goya et ses oeuvres d'art, en particulier la série de désastres de la guerre, avant de visiter l'exposition.

Une autre figure active est Nietzcsch à, sa thèse est que l'émergence du rationalisme était un carastroph pour l
a culture grecque et l'histoire philosophique de l'Occident, parallèlement à Goya et le thème de l'exposition. Peut-être la lecture du livre de Nietzcsch (La Naissance de la tragédie) peut vous donner une idée de l'exposition.

L'exposition se compose de trois parties;

Premier étage; "Hell"; Il y a des milliers de modèles militaires nazis très détaillées, y compris Hitler et Ronald McDonald.
Deuxième étage; «Nous sommes artistes"; Il est le premier travail au néon par Jake et Dinos Chapman
Troisième étage; "Venez et voyez"; Cet étage est plein d'œuvres en deux dimensions, de sculptures et de beaux portraits.

L'exposition peut être visitée à l'Artère Art Gallery jusqu'au 7 mai. Vous pouvez accéder à la page à partir du lien ci-dessous.

***

Second floor; We are Artists 
In this article, I will talk about the first solo exhbition of Jake & Dinos Chapman in Turkey entitled “In the Realm of the Senseless” which is curated by Nick Hackworth.

The exhibition takes consumption and contemporary art cult of modernity with a subtle detail and a critical system of belief in empty progress. First of all, let me say that you will often encounter with traces of Goya (Francisco de Goya y Lucientes 1746-1819) in the artworks.  Because many pieces are related to Goya's works and ideas. Their catalog is also reported that Chapmans had produced over one thousand works that use or with Goya. I suggest you examine Goya and his artworks, especially the series of Disasters of War, before visiting the exhibition.

Another active figure is Nietzcsche, its thesis is that the emergence of rationalism was a carastrophe for Greek culture and the philosophical history of the West, parallel to Goya and theme of the exhibition. Perhaps reading the book of Nietzcsche (The Birth of Tragedy) can give you an idea about the exhibition.

The exhibition consists of three parts;

First floor; "Hell"; There are thousands of highly detailed Nazi military models, including Hitler and Ronald McDonald.
Second floor; "We are Artists"; There is the first neon work by Jake and Dinos Chapman
Third floor; "Come and See"; This floor is full of two-dimensional works, sculptures and beautiful portraits.

The exhibition can be visited at the Arter Art Gallery until May 7th. You can reach the page from the link below.

***
Üçüncü kat; Gelin Görün
Küratörlüğünü Nick Hackworth’un yaptığı Jake ve Dinos Chapman’ın Türkiye’deki ilk kişisel sergisi olan “Anlamsızlık Âleminde’ den bahsedeceğim bu yazımda.

 Sergi, tüketim ve günümüz çağdaş sanat kültürünün boş ilerleme inancını oldukça ince detaylar ve eleştirel bir sistemle tiye alıyor. Öncelikle söylemeliyim ki eserlerde Goya’nın (Francisco de Goya y Lucientes 1746-1819) izlerine sık sık rastlayacaksınız. Çünkü çok sayıda parça Goya’nın eser ve fikirleri ile bağlantı halinde. Hatta kataloglarında Chapmanların Goya ile bağlantılı binin üzerinde iş yaptığı da söyleniyor. Bu nedenle sergiyi gezmeden önce Goya ve onun yapıtlarını, özellikle de Savaşın Felaketleri” serisini incelemenizi öneririm.

 Bir diğer etkin isim ise Nietzcsche, sergide Goya’ya ve serginin temasına paralel olarak akılcılığın ortaya çıkışının, Yunan kültürü ve Batı’nın felsefi tarihi için bir felaket olduğu fikri üzerinde duruluyor. Belki sergi gezilmeden Tragedyanın Doğuşu isimli kitabı okumak, bu anlamda fikir verici olabilir.

Sergi üç bölümden oluşuyor;

Birinci kat; “Cehennem” ; Son derece ayrıntılı bir şekilde işlenmiş binlerce Nazi askeri maketi, Hitler ve Ronald McDonald gibi figürler yer alıyor.
İkinci kat; “Sanatçıyız Biz”; Jake ve Dinos Chapman’ın bugüne kadar gerçekleştirdiği ilk neon çalışma bu katta.
Üçüncü kat; “Gelin Görün”; Bu kat ise iki boyutlu çalışmalar, heykeller ve birbirinden güzel portrelerle dolu.


Sergi 7 Mayıs’a kadar Arter Sanat Galerisi’nde ziyaret edilebilir. Sayfaya aşağıdaki linkten ulaşabilirsiniz.

=>  http://www.arter.org.tr/

Tuesday, February 7, 2017

De-Zéro



Paul Alexis Lit Des Zola Emile Avant II
      Je veux écrire quelque chose en français pour un changement. C'est difficile, mais je suis excité. Je vais commencer à utiliser des phrases de base. Laissez-moi partir de zéro. Je voudrais me présenter de nouveau .Mon nom est Şebnem. Ylajali est mon surnom. Si vous êtes curieux de de connaître la signification de ce second nom, vous devriez lire Hunger de Knut Hamsun.

      J'ai petite sphère et de grands rêves. Sur cette page je vais parler de choses qui me font rêver. À ce moment mon préféré est Paul Cezanne et ses oeuvres. Il est génial. Par ailleurs, il y aura un film sur l'amitié de Paul Cézanne et Emile Zola, deux figures importantes Si du 19ème siècle à l'Institut français. Plus informations peuvent être trouvés sur le lien ci-dessous.

     Pour une note de fin, j'aimerais expliquer "vioge"; J'ai combiné deux mots français violet et rouge. J'adore ces couleurs.

   *Quoi qu'il en soit, je vais écrire quelques petites notes françaises pour mes tous les articles la prochaine fois.

***

Paul Alexis Reading At Zola's House
Paul Alexis Reading at Zola's House
    I want to write something in French for a change. It may prove to be too difficult, but I am excited. For now, I will pace myself by using basic sentences. Let me start at the beginning. I would like to re-introduce myself.. My given name is Şebnem, but my nickname is Ylajali. If you are curious about the meaning of that second name, you can discover its meaning for yourself in Knut Hamsun’s book, Hunger.

    I have small sphere of that I exist in, although I possess tremendous dreams. In this blog I will discuss things that inspire me . Currently my favorite artist is Paul Cézanne; I really admire his work. He has an amazing degree of talent. By the way, there is going to be a new movie about Paul Cézanne, pertaining to his friendship with fellow artist Emile Zola. They were both very prominent figures in the French Institute during the 19th century. .Details can be found on the link below.

   For an endnote, I think it would be helpful to the title of my blog “Vioge.” I created it by combining two French words: violet (purple) and rouge (red). I love this pair of colors.

Anyhow.. I will be writing short French notes for each article from now on.  

***

Cezanne ve Emile Zola
  Artık sayfamda Fransızca ’ya da yer vermek istiyorum. Benim için çok zor ama heyecan verici. İlk adımda basit cümleleri kullanarak başlayacağım. Sıfırdan başlamak gerekirse ismim Şebnem. Ylajali de benim takma adım. Ylajali nedir merak edenler anlamını Knut Hamsun’ın Açlık isimli kitabında bulabilirler. 

  Küçük bir dünyam ve büyük hayallerim var. Bu sayfada ise özellikle bana hayal kurdurabilen şeyler hakkında konuşacağım. Şu an için favorim Paul Cezanne ve onun tüm eserleri. Gerçekten inanılmaz biri. Bu arada, ilgilenenler için görülmeye değer bir film olacak Fransız Enstitüsünde. Film 19. yüzyılın iki önemli ismi Paul Cezanne ve Emile Zola’nın dostluğunu anlatıyor. Detaylarına aşağıdaki linkten erişebilirsiniz.

  Son olarak “vioge” ‘u açıklamak istiyorum. Tek başına bir anlamı olmayan bu kelime sevdiğim iki rengin; Violet (mor) ve Rouge (kırmızı)’nın birleşiminden oluşuyor.

 Bu küçük paylaşımdan itibaren küçük Fransızca notlarımı da artık bu sayfada bulabileceksiniz. 


** http://www.ifturquie.org/fr/events/cezanne-ve-ben/






Sunday, December 25, 2016

Cold Front From The Balkans // Balkanlardan Gelen Soğuk Hava

            
“They say the sand has no memory. The line drawn upon it vanishes with the wind. But the wind, the wind remembers”
Ali Akay


The Art of Changing Stereotypes

            I'm bringing down the curtain on a very difficult year, as it has been for  all of us with Cold Front From The Balkans.  Pera Museum was my favorite venue this year and hosted the most impressive exhibitions. At every expo which they hosted,  hit the bull’s eye and took me to another world. In this article I will talk about the last of these exhibitions, "Cold Front From The Balkans".

         Cold Front From The Balkans questions contemporary art, the artistic system in the Balkans and It gives you an in-depth look at contemporary art production. In this way, Balkan culture and art, which has been forgotten in Istanbul, is revived. When you come in, the catalogs of 6 main sections guide you through the exhibition. I think these little guides make all objects simpler and more understandable, and messages are easier to understand. 

The exhibition is based on six main themes: "Icons", "Ideology", "Revolutions", "Geography", "Art System" and "Body".

You can visit this exhibition which is hosted together with Pera Museum, Lüblian Museum and Galleries until 07.05.2017.

Happy New Year to All :)

****

“Kumun hafızası yoktur denir. Kuma çizilen çizgi rüzgârda yok olur. Oysa rüzgârın hafızası vardır.”
Ali Akay

Kalıpları Değiştirme Sanatı

Hepimiz için oldukça zorlu ve sert geçen bir yılı, Balkanlardan Gelen Soğuk Hava ile kapatıyorum. Pera Müzesi bu yıl benim favori mekânımdı ve beni en çok etkileyen sergilere ev sahipliği yaptı. Ev sahipliği yaptığı her sergide de beni hassas noktalarımdan vurup başka dünyalara götürdü. Bu yazımda bu sergilerden sonuncusu yani “Balkanlardan Gelen Soğuk Hava” dan bahsedeceğim.

Balkanlardan Gelen Soğuk Hava sergisi, Balkan çağdaş sanatını, onun sanatsal sistemini ele alıyor ve Balkanlardaki çağdaş sanat üretimi derinlemesine incelemenize imkân tanıyor. Böylelikle İstanbul’da unutulmaya başlanan Balkan kültürünü ve sanatını yeniden canlandırıyor. İçeriye girdiğinizde 6 ana bölümden oluşan kataloglar sergi boyunca size rehberlik ediyor. Bence bu küçük rehberler tüm objeleri daha sade ve anlaşılır hale getiriyor ve mesajlar daha kolay yoldan alınabiliyor.

Sergi, “Simgeler”, ”İdeoloji”, ”Devrimler”, ”Coğrafya”, ”Sanat Sistemi” ve “Beden” olmak üzere 6 ana tema üzerinden şekillendiriliyor.

Pera Müzesi’nin, Lübliyana Müzesi ve Galerileri ile birlikte ev sahipliği yaptığı bu sergiyi 07.05.2017’ye kadar ziyaret edebilirsiniz.

Herkese Mutlu Seneler J